El director Billy Luther hizo su debut cinematográfico en SXSW el sábado con “Frybead Face and Me”, que fue producida por Taika Waititi. Inspirada en su infancia, la película sigue a un niño, Benny (Keir Tallman), que tiene que pasar el verano con su abuela en la reserva.
Luther, cuyo trabajo anterior incluye el documental de AMC “Miss Navajo” y “Dark Winds”, siente la historia de Benny de aprender sobre la vida de rez y vincularse con su primo Frybread (Charley Hogan) que tiene un atractivo universal en el sentido de que, en última instancia, se trata de sentirse nuevo. en algún lugar solitario.
“No es necesario ser nativo para relacionarse con la historia porque todos recuerdan haber sido atrapados en algún lugar, y la historia trae esa familiaridad”, dice Luther.
Sin embargo, era extremadamente importante para Luther elegir un elenco navajo (él es de las tribus navajo, hopi y laguna pueblo), un proceso complicado por la pandemia de COVID-19. Pero finalmente encontró a sus estrellas en Tallman y Hogan, quienes debutaron en el cine.
Abajo, Lutero habla con diverso Sobre el casting a través de Zoom, su camino a SXSW y la importancia de la actuación original en Hollywood.
Esta es una historia personal, es tu historia, pero es una historia universal al mismo tiempo. ¿Cómo intervienen estos elementos en la búsqueda del equilibrio?
De niño, yo era muy perceptivo. Escuché muchas cosas, incluidas conversaciones telefónicas con padres y adultos. Estudiaría los gestos y gestos de las personas, la forma en que hablaban. Tengo buena memoria. Hay una escena en la película con un tenedor mientras Benny se sienta a comer. Cada vez que teníamos invitados o alguien que venía a nuestra casa, siempre había un tenedor que no encajaba con el resto de los cubiertos de mi mamá, y dondequiera que estuvieran sentados, ponía el tenedor allí mismo. Se llamaba la Espina del Visitante.
Estos son solo elementos pequeños que puede lograr, por lo que saqué mucho, incluida mi experiencia yendo a Reese’s y los cortes de energía, el agua corriente y la plomería interior. Esa fue mi infancia. Mientras tanto, todos están de vuelta en San Diego, viendo MTV y yendo a conciertos. Pero cuando eres niño, no necesariamente piensas en la suerte que tienes de pasar tiempo con tus familiares, solo quieres volver. Quería contarlo todo en esta historia divertida y entretenida, y estos elementos de las experiencias de las personas pueden ayudar a conectarse con ella. No tienes que ser un nativo para identificarte con la historia porque todos recuerdan que se han caído en algún lugar, y la historia te trae esa familiaridad.
¿Cómo fue el proceso de casting, especialmente con Kerr y Charlie ya que ambos debutaron como actores?
Trabajó con Angelique Midthunder (“Rutherford Falls”) y salió de la primera temporada de “Reservation Dogs”, por lo que tenía una gran cantidad de jóvenes talentos. Observamos muchas tribus diferentes, pero al final, estos niños tenían que ser navajos y eran increíbles.
Emitimos esto durante el apogeo de la pandemia, por lo que estaba en Zoom, y fue difícil leer la química de la pantalla. En Zoom, no es amigable para los actores, necesitas contacto físico y necesitas jugar con alguien, así que fue todo un desafío. Charlie terminó siendo la primera persona que elegimos. Leí y sentí “Esto es un pan frito”. Ella era la que yo pensaba que era el personaje.
Con Kerr, me atrae esa inocencia. Él vivía en Phoenix en ese momento y en la casa de su familia, por lo que entendía estas cosas y siempre me contaba estas historias sobre sus experiencias.
Pasando de Zoom a grupo, ¿te sorprendió su dinámica y lo bien que juegan entre sí?
La primera vez que nos conocimos, éramos los tres, yo había dejado el guión a un lado y solo quería pasar el rato y conocerlos.
La cinematografía captura la soledad de la vida así como toda la luz natural.. ¿Cómo fueron esas conversaciones?
Peter Simonet fue un director de fotografía increíble. Hablamos sobre la soledad y lo solo que era para mí cuando era niño, y cómo una vez que se pone el sol, no puedes simplemente encender la luz. Esos eran mis recuerdos, así que capturar esas dos cosas era importante. Hablamos del paisaje de Reims, de cómo pasa de soleado a nublado y de lo bonitas que son las puestas de sol. Ahí me sirvió mi experiencia documental, para poder reflejar eso.
En cuanto a los personajes, estamos en el terreno de la novedad. Le dije a Peter que iríamos tras ella y filmaríamos su estilo documental. Esas escenas deben ser sueltas con ese flujo suave, así que cuando las miras, tienes la sensación de que estamos siendo observados.
Sin revelar nada, hubo una escena maravillosamente emotiva con Penny en la cocina. ¿Fue un desafío para filmar?
Él era. ¿Cómo haces que el niño interactúe con estos sentimientos? Así que hablamos con él al respecto, y Martin Sensmeyer, que ha trabajado en muchas películas y con muchos grandes directores, también tuvo conversaciones con él. Charlie también reaccionó a la energía en la habitación ya lo que decía el tío Marvin. No tuve que estresarme demasiado porque él viene de una casa unifamiliar y vive con su mamá.
Esta escena de la película fue la última toma, y fue increíble. Todos en la sala, hasta la cámara, dijeron: “¡Guau!”. Todos queríamos protegerlo porque era vulnerable.
¿Qué significa para ti haber estrenado esto en SXSW, en cuanto a representación?
Tenía la intención de contar una historia honesta, honesta. No podría hacer esta película en mis veinte años. Necesitaba experimentar la vida, tener hijos y tener una relación sanadora con mi familia. También quería que mis primos cada vez más jóvenes vieran esto.
Cuando ves muchas películas aborígenes, hay mucha pobreza o tortura porno. Me alegro de que finalmente nos hayamos quedado sin ellos y que haya cineastas y narradores que cuentan historias con humor. Hay esperanza y resiliencia en nuestra comunidad y entre nuestros narradores.
