Jean-Luc Godard recordado: el temible poeta cinematográfico que cambió el cine

Jean-Luc Godard, fallecido el martes a los 91 años, fue el director que lo cambió todo. Dirigió Breathless, el hito de 1959 que ayudó a lanzar la Nueva Ola francesa, utilizando una tecnología y una técnica nuevas, rápidas y avanzadas, el corte de salto, que cambió el ADN de cómo se hacían las películas. En la década de 1960, sacó su cámara a la calle, a cafés, tiendas, oficinas y apartamentos, por lo que la película de Goddard a menudo parecía un documental sobre personajes ficticios. Dibujó a muchos de esos personajes del Viejo Hollywood, un mundo en el que creció y con el que permaneció obsesionado, pero el mundo que siempre hizo parecía estar a un millón de millas de distancia, como un Jardín del Edén en blanco y negro del que se derrumbó el mundo. Entonces, incluso mientras observas a Jean-Paul Belmondo interpretando a un líder de brujas oa Anna Karina interpretando a una asesina, sabías que también estabas viendo el juego de un actor con la idea de que estaban interpretando ese papel.

La referencia retro de Godard se materializa en el famoso momento de “Breathless” cuando Belmondo mira una foto de Humphrey Bogart, lamiéndose el labio y diciendo “Boogie”, como diciendo la palabra “Dios”. Sin embargo, las películas de Godard, aun cuando miraban al pasado, también miraban al futuro. Todo buen cineasta sale a capturar algo sobre la vida y la realidad, pero Goddard quería usar el cine para abarcar todo el mundo moderno: la apariencia de la vida en la estéril zona de confort del siglo XX, y los productos e imágenes pop que inundó nuestro mundo. La existencia, los mitos y los sistemas (políticos, culturales, económicos, románticos) en los que todos hemos vivido, lo sepamos o no, y de alguna manera lo sacamos todo de la pantalla.

Así que hizo algo que ningún director de cine anterior había hecho, algo así como la forma en que James Joyce tomó canales hacia atrás y a través de la mente humana y los puso directamente en la página. Los personajes de Godard vivían la vida que estaban viviendo y también, en la pantalla, hablaban de lo que significaba esa vida, e incluso hablaban del hecho de que estaban hablando de eso. Hablaron de libros, cine, trabajo, amor e idioma. Godard estaba convirtiendo el cine en una visión de ajedrez en 3D de una experiencia de la que siempre ha sido consciente. Hizo películas policíacas (“Breathless”, “Band of Outsiders”), historias de amor (“A Woman Is a Woman”, “Contempt”), incluso coqueteó con la ciencia ficción distópica (“Alphaville”), y utilizó actores de absoluta belleza. y magia. : Belmondo, Jan Seberg, Anna Karina, Yves Montand, Brigitte Bardot. Pero su tema real siempre ha estado en nuestras mentes. Sus películas estaban dentro y fuera de la realidad que te muestran al mismo tiempo.

“Desprecio” (también conocido como LE MEPRIS), Brigitte Bardot, Michel Piccoli, 1963

Cortesía del Grupo Everett

Esta cualidad ha hecho que el Cine Godard sea revolucionario y apasionante, además de desafiante y prohibido. Para ver una película de Godard, tenías que meterte en un divertido laberinto, y las escenas están en el medio. La imagen que Godard tenía de sí mismo en los años 60 (cabello con entradas, anteojos oscuros, hermosos pucheros) era la de un hipster racionalista francés, que hacía que se viera genial llevar el peso del mundo sobre sus hombros. Y es seguro decir que no ha habido un cineasta en la historia que haya tenido tanta influencia, tanto empuje, tanto misterio, todo el tiempo, mostrando sus películas en un nivel de percepción tan inestable. Fue el poeta realista del cine que abrió nuestras películas desde el mundo cerrado del sistema de estudios al mundo existencial que fluye a nuestro alrededor, con la estética de la publicidad —logotipos, semántica, propaganda— que hizo que la vida fuera tan central como la emoción humana (porque estos las cosas ahora fluyen directamente hacia nosotros, se vuelven parte de nosotros). Al hacerlo, redefinió el medio popular del cine, en adelante, y su forma.

Pero Godard también fue la mayor deconstrucción del cine, obsesionado con recordarle al público de una película que estaba viendo una película. Y eso lo hizo, a veces, parecerse un poco a James Joyce que la gente siempre dice que fue a la universidad porque casi no hay forma de leerlo si no lo estudias en la universidad. Un gran éxito, Sin aliento hizo un gran lugar para el cine artístico, ya que no solo golpeó Old Hollywood y New Wave, sino que también llegó a audiencias que querían mirar la pantalla de cine para olvidarse de sí mismos y de la audiencia que se exponía a todo lo que veía. . Pero la audiencia de Godard se redujo muy rápidamente a una pequeña parte.

En cuanto a las “películas” y las “películas”, ha habido algunas películas de Godard que pueden llamarse películas: “Breathless”, una película de gángsters y slasher, Sentado en el apartamento, una historia de amor y “Desprecio” (1963), El drama de la confesión de Godard sobre hacer una película y romper su matrimonio. (Creo que esos dos son sus mejores trabajos). ‘Band of Outsiders’ fue celebrada por su iconografía, una película que se apoderó de Quentin Tarantino, porque la miró y vislumbró la primera versión de su propia estética. (Es interesante que siempre hable de ello a través de la lente de la reseña de Pauline Kael: Un análisis cinematográfico que analizó imágenes del viejo Hollywood).

Pero cuando Godard llegó a los sesenta y tantos años, cuando la cultura estallaba a su alrededor, estaba haciendo películas como el lírico Talkfest “Masculin Féminin” (1966), que era un ensayo/reflexión sobre “Los hijos de Marx y Coca-Cola” – como era una película. . Se convirtió en un artista que ya no estaba interesado en pretender contar historias o en crear personajes que no fueran conductos para sus imaginaciones más amplias.

Esto hizo que sus películas, para la mayoría de lo que llamamos “audiencia”, fueran tanto divertidas como tabú. “Weekend” (1967) es una película que se hizo legendaria por su travelling de siete minutos de un embotellamiento: una gran variedad de autos atascados en una carretera parisina, con la cámara pasando lentamente frente a todos ellos, durante las tres cuartas partes del tiempo. una milla, como una especie de metáfora de forma libre de lo que se convirtió en nuestra comunidad. (Un grupo de personas aisladas, en casa con sus dispositivos, vivos pero indiferentes; el fin del mundo tal como lo conocemos). Pero, ¿cuándo fue la última vez que intentaste sentarte durante el resto de la película? A Susan Sontag le encantó. Incluso a Kyle, que era más populista, le gustó. Me encanta demimonde de cinephilia.

A pesar de esto, Goddard ya estaba en el camino en el que permanecería por el resto de su carrera, que incluirá 55 años de cine y video austero y experimental, crisis y reapariciones, un momento de infamia en la casa de arte sensacionalista (“Hail Mary” en 1985, una película que retrataba a la Virgen María con mucha desnudez viva y por lo tanto enfureció la censura de la iglesia en la década de 1980), combinada con una mini carrera como actor, ya que se lanzó al “nombre de pila: Carmen” y comenzó para darse cuenta, instintivamente, de que su presencia, el irritable de mediana edad, agitando ese cigarro, mirando detrás de esos anteojos y lanzando sus bolígrafos cósmicos contrarios a la intuición sobre el estado del mundo, lo convirtió en el mejor personaje que había creado en décadas.

Godard, casi el inventor de las películas modernas, es uno de los pocos cineastas a los que se puede llamar el dios del cine. Como crítico, se sabe que he sido menos impaciente con él que la mayoría de los otros críticos, lo que probablemente tenga algo que ver con el hecho de que llegué demasiado tarde para experimentar el poder cognitivo de sus películas. La primera película de Godard que vi fue “One Plus One”, que filmé en una asociación cinematográfica universitaria en los años 70 cuando tenía 13 años. Nunca había oído hablar del director ni era fanático de las películas. Pero mis dos amigos y yo estábamos emocionados de ver el documental sobre los Rolling Stones, que, en parte, es lo que era. La película incluso se llamó “Sympathy for the Devil” (el distribuidor le cambió el nombre). Entonces vimos una película que mostraba a los Stones, en el estudio de grabación, componiendo esa canción, y fue cautivador. Es una de las mejores películas jamás realizadas sobre el proceso artístico.

Pero esas escenas se alternaron con gráficos teatrales grotescos, en particular la secuencia surrealista extendida donde los revolucionarios negros, junto a una pila de autos no deseados, almacenaban armas mientras hablaban de la rebelión que se avecinaba. Incluso mi inconsciente adolescente pudo ver que la película también glorificaba y se burlaba de estos revolucionarios. Estaba intrigado, pero también confundido. La ironía es que a medida que crecía y me convertía en un cinéfilo, a menudo tenía más o menos la misma reacción ante las películas de Godard, incluso ante algunos de los clásicos. Me sentí aturdido y confundido al mismo tiempo. No creo que esté solo.

Se convirtió en una norma decir de Godard que sus películas desde “Breathless” hasta “Weekend” -su contraparte “temprana y divertida” de Woody Allen- sumaban una de las mejores interpretaciones en la historia del cine, pero luego tenía un sentido marxista/ El corte estructuralista con todo (un cisma que la cruda película biográfica de 2017 Goddard Mon Amour asume de manera divertida es una crisis de carácter narcisista del desvanecimiento del elitismo), momento en el que se volvió aceptable incluso para los fanáticos del cine de alta gama decir que su trabajo se había vuelto impenetrable. Luego regresó, en 1980, con la gozosa aceptación de “sálvese quien pueda”. Pero esto era una anomalía. En adelante, el cine de Godard ha recaído mucho en el ascetismo cerebral, plasmado en su video acción de 1994 “JLG/JLG”. Sin embargo, su última película que vi y sobre la que escribí, “The Image Book” (2018), se asemeja al apocalipsis posmoderno en MTV que transmite, con alarmante horror, el pavor de nuestro tiempo.

Con el tiempo, traté de cambiar el equilibrio en mi relación de amor y odio con Godard ampliando la comprensión. Regresaba y volvía a ver sus películas, que a veces no funcionaban (“La Chinoise” era más agotadora y confusa) y a veces sí (me enamoré de “Vivre Sa Vie” y esporádicamente poseí “Tout Va Bien”, la película de 1972 que dirigió con Jane Fonda e Yves Montand). Todo esto se planteó porque creo que estaba en la naturaleza de Godard convertirse en un desintegrador de almas muertas, alguien con una mente láser que podía cortar cualquier cosa, incluso cómo los poderes conspiraban para convertir la vida misma en el opio de las masas. Y así llegó a ver los placeres de las películas (historia, romance y a huir) como un opio para las masas. Tal vez tenía razón. Su negativa a escapar lo hizo intimidante hasta el final, y eso es parte del legado de Godard. Sin embargo, antes de que esto se convirtiera en una reprimenda visual, Jean-Luc Godard fue alguien que vio el acto de la industria del cine como una salvación. Esto es lo que se siente al ver sus mejores películas: están tan vivas como el mundo que las rodea. Y que el cine no debe ser menos.



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