Reseña de ‘Fairyland’: una conmovedora historia de amor entre un padre y una hija Weepie

Las historias sobre el apogeo gay de la década de 1970 en San Francisco, y la despiadada persecución de la crisis del SIDA en la década siguiente, a menudo se refieren al concepto de la familia queer dentro de la comunidad queer: los lazos que se forman cuando los prejuicios cortan los lazos de sangre. Los estudios sobre la familia biológica, y la paternidad en particular, son en este contexto aún más exóticos, que es lo que hace que el libro de Alicia Abbott “Fantasyland: A Dad’s Diary” sea tan conmovedor. Una novela sobre su crianza por parte de un padre soltero gay en medio del movimiento de liberación LGBTQ, y su posterior cuidado de él durante el SIDA, equilibra la aceptación ansiosa de la contracultura por parte de un niño que vive con una anciana afligida por cosas que no se dijeron o se dijeron mal. En “Fairyland”, Andrew Durham adapta su historia con calidez y sensibilidad, aunque estos puntos de vista se comunican con más fluidez en la página que en la pantalla.

Fotógrafo que debutó como director y escritor, Durham inicialmente sigue un estilo vagamente impresionista que tiene la influencia de la productora Sofia Coppola, antes de pasar a la narración de personajes estándar y al diálogo, a medida que su joven protagonista se acerca a la edad adulta. Este cambio tonal y estético no solo indica la mayoría de edad, sino también el paso de una era más libre y bohemia, aunque deja una sensación de “país de las hadas” con un toque desequilibrado. Hay una autenticidad no forzada en su representación de una primera infancia fracturada que no se compara con su representación posterior, más melodramática, de una guerra entre padre e hija, incluso si sus tácticas desgarradoras son innegablemente efectivas. Su influencia en ambos discos se debe a una actuación elegantemente tranquila y de buen humor de Scott McNairy, como un padre que atraviesa su propio viaje de crecimiento (boom seguido de una repentina caída) en el transcurso de dos décadas.

En sus escenas introductorias, ambientadas en 1974, Durham confía en que su público llene algunos de los espacios en blanco, mientras examinamos las historias personales y los matices de las relaciones en medio de las exclusiones del texto y las sombras proyectadas por el hermoso y elegante lente de 16 mm de la directora de fotografía Greta Zozula. Mientras abrimos nuestra conversación con el espeluznante escritor del medio oeste Steve (McNairy) que recibe una llamada en las primeras horas de la muerte de su esposa Barbara en un accidente automovilístico, recibimos información aproximadamente con la misma frecuencia (y a menudo desde la perspectiva de primera mano) de su pequeña hija Alicia (la recién llegada ganadora Nyssa Dougherty, que tiene algo de la oscura mirada curiosa de Anna Torrent). Con una gran melancolía interior, sigue el flujo agitado de la vida, irresistible cuando Steve decide, en contra de los deseos de su almidonada suegra (Geena Davis), que deben subirse a un Volkswagen Beetle naranja, moverse hacia el oeste y comenzar. sobre.

Al llegar a una casa en ruinas de San Francisco que ha sido ocupada por la excéntrica traficante de drogas Paulette (extrañamente representada por Maria Bakalova), Alicia se ve inicialmente arrojada a su nuevo entorno hogareño genial, pero pronto se adapta y se hace amiga de su otro compañero de cuarto: el género queer Johnny ( Ryan Thurston) y en particular a Eddie (Cody Fearn), un amante de la guitarra, con quien Steve también mantiene una relación. Alicia es lo suficientemente joven y sin culpa como para no hacer preguntas cuando encuentra a los dos hombres juntos en la cama en una escena dulce y notable: simplemente abraza a su padre, aceptando cualquier nueva unidad familiar que se le presente.

Eddie no se queda quieto, y tampoco su serie de amigos (uno de los cuales es interpretado por el creíble Adam Lambert) cuando Steve comienza a vivir abiertamente como un hombre gay. Sin embargo, la anomalía se convierte en una parte desapercibida de la vida hogareña de Alicia. “Este ya no es el verano del amor”, reflexiona Pauletta, pero mientras la cámara de Zozoula serpentea y se eleva a través de las masas iluminadas por el sol del desfile del Orgullo Gay, reflejándose en la mirada de la adorable niña, podrías pensar de otra manera.

Esa inocencia no dura, y tampoco esta aceptación. A medida que avanzamos en el tiempo hasta mediados de la década de 1980, la sexualidad de Steve se ha convertido en una fuente de vergüenza, incluso vergüenza, para Alicia, ahora estudiante de segundo año en la escuela New Wave interpretada por la tensa Emilia Jones. La lente se vuelve más nítida y más gris a medida que el estado de ánimo también se deteriora: Steve, ahora un veterano de la escena del cabello de la ciudad, todavía está bailando y teniendo citas, pero los susurros de un virus desconocido señalan el principio del fin. Él lucha por llegar a su hija, cuya ira adolescente habitual se ve exacerbada por preguntas sobre sus padres que ella nunca pensó en preguntar. Ella mantiene su homosexualidad en secreto de sus amigos, cuyas bromas homofóbicas mal concebidas son una señal más perspicaz de las mareas sociales y políticas cambiantes de la era Reagan que los titulares de noticias y los informes de radio que brindan esporádicamente actualizaciones sobre el difícil entorno.

Hay un conflicto interno hirviendo a fuego lento en Alicia que ni el guión ni la actuación de Jones pudieron lograr por completo antes de que la tragedia que se avecina impulse el drama a un nivel superior. Las escenas decorativas de Toile de Alicia, ahora estudiante de intercambio en la Universidad de Nueva York, siguen vivas. No hay factura En París, solo presagia un doloroso e inevitable regreso a casa, confesiones redentoras entrecortadas, disculpas y diatribas vocales que se sienten extraídas demasiado al azar del texto.

Dice tanto de la fidelidad casual de McNairy como actor que estos pasajes a veces parecen sobreescritos pero nunca exagerados: “¿Fui un buen hombre?” le pregunta a su hija con una mirada genuina, su voz deslizándose sin esfuerzo sobre el tiempo pasado prematuro de la pregunta que te parte el corazón en dos, con o sin la ayuda del hermoso y tenue piano de Michael Penn. Fantasyland, en su forma más reflexiva, transmite una doble sensación de pérdida, que abarca el amor y los amantes personales, momentos históricos completos y comunidades, en pequeños gestos tan dulces como la cabeza sobre el hombro, la mano, el silencio finalmente entendido.